Personajes - Goran Bregovic

La música de Goran Bregovic es tan intensa y explosiva como la situación que se ha vivido siempre en los Balcanes. Sus composiciones están inspiradas en el más salvaje y vivo folklore balcánico, al que sabe dotar de una perspectiva contemporánea, fruto sin duda de su pasado como miembro de uno de los grupos más famosos del rock yugoslavo.

Nacido en Sarajevo, de madre ortodoxa serbia y padre católico croata, la cosa se complica todavía más cuando se sabe que su mujer es bosnia musulmana. Una situación de esquizofrenia, que fue gravemente acentuada por la reciente y cruenta guerra yugoslava, que partió familias en dos y tres bandos, y llevó el dolor y la muerte a un país que tan sólo unos meses antes parecía ser un modelo de convivencia entre culturas. Pero en los años 60, la guerra está muy lejos todavía, y el joven Goran estudia violín sin mucho entusiasmo en el Conservatorio de Sarajevo. Siendo todavía un adolescente, comienza a tocar en restaurantes inspirándose en la música folklórica. A comienzos de los años 70 crea su primer grupo de rock. En 1974 publica su primer disco con su grupo Bijelo Dugme (los Botones Blancos) y obtiene un gran éxito, que le convierte en toda una estrella de rock en su país.

El rock - señala Bregovic- ocupaba en esa época un lugar muy importante en nuestra vida. Era la única manera de poder expresar nuestro descontento sin que por ello nos metieran en chirona. La función del rock & roll en los países comunistas ha sido mucho más importante que en Occidente. Era la única forma de exponer un sistema de valores diferente respecto a los abanderados del comunismo.

Durante quince años, al frente de su grupo, Goran realizaría numerosas giras por el país, transformándose en un ídolo de la juventud, lo que le llevaría a abandonar sus estudios. A mediados de los años 70, Bregovic había conocido a Emir Kusturica, que por entonces comenzaba su carrera como cineasta y tocaba el bajo en un grupo punk. Ambos se hicieron grandes amigos, compartiendo borracheras y su amor por el rock. Pero más tarde, coincidiendo con el auge de la carrera de Goran, Emir partiría a Checoslovaquia para continuar sus estudios en la prestigiosa Escuela de Praga, con lo cual sus caminos se bifurcarían.
A finales de los 80, Goran Bregovic decide disolver su famoso grupo con el que había vendido millones de discos en su país, y Emir Kusturica le llama para que componga la música de su película El tiempo de los gitanos. Es entonces cuando Bregovic se reencuentra con sus raíces balcánicas y comienza a explorar en la música de los zíngaros. Me apasiona -señala Bregovic- la falta de preocupación de los zíngaros por seguir un modelo determinado. Introducen en su música todo lo que les gusta, sea una armonía española o un ritmo turco. El disco apareció en 1990, y a partir de allí, comienza una fructífera colaboración entre ambos, que continuaría con Arizona Dream (con participación de Iggy Pop) y Underground (en la que aparece Cesaria Evora). La coincidencia en su actitud vital es lo que hace que la fórmula funcione. Tal como dice Bregovic, uno de los grandes aciertos de las películas de Emir es mostrar la vida tal como es, llena de agujeros, indecisiones e imprevistos.

La música de Goran Bregovic se antoja, de esta forma, insustituible en el peculiar universo de Emir Kusturica, de la misma forma que también son inseparables Nino Rota de Fellini, Ennio Morricone de Sergio Leone, Michael Nyman de Peter Greenaway, o John Barry de las primeras películas de James Bond.

El comienzo de la guerra civil que iba a desangrar su país, les coge a ambos en París, trabajando en la película Arizona Dream, y Goran, que se considera a sí mismo yugoslavo y balcánico, afirma que cuando empezó la guerra, yo estaba desesperado, todo el día mirando la televisión. Después me di cuenta de que era ridículo estar así, que debía ponerme a trabajar. Me acusaron de no tomar partido, pero ¿por quién íba a tomar partido, estando mi familia dividida entre croatas, serbios y musulmanes? No era mi guerra, no sabía de qué parte estaba. Pensaba que el día que esta idiotez terminara, sería útil para todos tener algo de lo que sentirse orgulloso, y por eso escribía música. Pesimista sobre las posibles consecuencias de la guerra, señala que el principal problema de mi país es ser pobre. Lo era antes de 1992 y lo sigue siendo ahora. La guerra no ha cambiado nada.
Goran Bregovic ahora vive en París y trabaja en Belgrado donde ha creado un estudio de grabación. Sus colaboraciones incluyen a Iggy Pop, Cesaria Evora, Scott Walker, Ofra Haza, los actores Isabelle Adjani y Johnny Depp... En las recientes recopilaciones la mezcla de sintetizadores con instrumentos y voces tradicionales está realmente conseguida, y la fusión de polifonías búlgaras, melodías zíngaras, fanfarrias balcánicas, inspiración pop y sonoridades electrónicas, da lugar a una de las músicas más hermosas que se pueden escuchar ahora.

Su disco Ederlezi se subtitula canciones para bodas y funerales, y es que, tal como señala Goran, en los funerales ortodoxos se acostumbra a beber y cantar. Por eso, la música parece alegre y triste al mismo tiempo, y, cuando alguien está bebiendo, no sabes exactamente por qué lo hace.

Después que en 1985 abandonara el rock, la música de Goran no había sido interpretada en vivo. Una serie de conciertos en Grecia y Suecia en el verano de 1995, en los que Goran tocó con una banda de diez músicos tradicionales, yuxtapuestos con un coro de 50 personas y una orquesta sinfónica, cambiaron la situación. En 1996 volvió a tocar en directo "música para películas" en Grecia, Polonia, Suiza, Turquía y Yugoslavia. El número de entradas vendidas en estos conciertos (entre 3.500 y 10.000) confirma el impacto de su música.

En mayo de 1998 inició una gira por Portugal, Francia e Italia, que le llevó también a actuar (único concierto en España de ese año) en el Festival Pirineos Sur, donde fue unánimemente reconocido como el mejor artista de toda la programación. Durante el mes de abril de 1999 realizó una gira por varias ciudades españolas (Zaragoza, Gijón, Madrid y Murcia), que cosechó críticas inmejorables entre la prensa diaria y los medios especializados, que consagran a Goran Bregovic como el artista más importante de la world music actual. En septiembre de ese mismo año participó en el XIX Seminario Internacional de Jazz y Flamenco organizado por el Taller de Musics de Barcelona que finalizó con una Master Class multitudinaria en la plaza de la Catedral de Barcelona el día de la Mercé. En el 2000 ha participado en España en el Festival Internacional de Música Castillo de Ainsa y en los Festivales de Navarra cosechando un éxito sin precedentes en nuestro país.

Discografía
Czas Cyganow (El tiempo de los gitanos) (1990), Arizona dream (1993), La reine Margot (1994), Underground (1995), Ederlezi (1996), Tuvalu (2000), Kayah & Bregovic (2000), Song book (2000), Tales and Songs from Weddings and Funerals (2002), Balcanica (2002), Kris & Goran (2002)

Fuente: http://www.goranbregovic.co.yu/

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Personajes - Pat Metheny

Patrick Brucce Metheny, verdadero nombre del guitarrista y compositor, Pat Metheny, fue considerado desde su infancia un niño prodigio. Su hermano, el trompetista, Mike Metheny, lo inició en el jazz y a los 12 años agarró por primera vez una guitarra. Después de desarrollar su técnica a una velocidad asombrosa, estudiando a clásicos maestros del jazz como los guitarristas, Wes Montgomery y Charlie Christian, ganó a los quince años, una beca para jóvenes músicos con talento donada por la revista "Downbeat" y luego ingresó, también becado, a la Universidad de Miami. Poco después, con 19 años de edad, ya estaba dando clases de guitarra en la prestigiosa academia de "Berklee School of Music" de Boston, y entre sus alumnos, estaban Al Di Meola y Mike Stern.

En la Universidad de Miami, Pat Metheny, conoció al que luego sería el legendario bajista, Jaco Pastorius. En 1975, Metheny, Pastorius y el baterista Bob Moses grabaron, el primer álbum liderado por Pat Metheny, "Bright Size Life", para el sello ECM. Pero fue cuando el vibrafonista Gary Burton, a quien había conocido en Berklee, le propuso unirse a su banda cuando Pat Metheny empezó a ganar cierto reconocimiento entre sus colegas y el público especializado. Dos años después, con la llegada del tecladista Lyle Mays, empezó a germinar la idea de formar un grupo, que se completó con la incorporación del bajista, Mark Egan y el baterista, Dan Gottlieb. El "Pat Metheny Group", su formación actual, se hizo rápidamente muy popular - excepto para los puristas del jazz- por su compleja y atractiva fusión de jazz y folk. En 1984, después de grabar desde obras maestras como Rejoicing hasta registros reiterativos como First Circle, Pat Metheny dejó el sello ECM y pasó a grabar para EMI primero y para "Geffen" después, una firma más orientada al pop y al rock. En los primeros años de la década de los ochenta, la imagen musical de Pat Metheny estaba ya formada y consolidada.

Metheny tiene en su haber el hecho de haber tocado con grandes figuras del jazz como Sonny Rollins, Ornette Coleman, o Jack DeJohnette. También ha ganado numerosos premios Grammy y es considerado uno de los grandes guitarristas del jazz contemporáneo.

Discografía
Bright Size Life (1976), Watercolors (1977), Pat Metheny Group (1978), New Chautauqua (1979), American Garage (1979), 80/81 (1980), As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls (1981), Offramp (1982), Travels (1983), Rejoicing (1983), First Circle (1984), The Falcon And The Snowman (movie soundtrack) (1985), Song X (1986), Still Life (Talking) (1987), Letter From Home (1989), Question And Answer (1990), Secret Story (1992), The Road To You (1993), Zero Tolerance For Silence (1994), We Live Here (1995), Quartet (1996), Passagio Per Il Paradiso (1997), beyond the Missouri Sky (short stories) (1997), Imaginary Day (1997), Like Minds (1999), Jim Hall & Pat Metheny (1999), A Map Of The World (movie soundtrack) (1999), Pat Metheny Trio 99 → 00 (2000), Pat Metheny Trio → Live (2000), Speaking Of Now (2002), One Quiet Night (2003), The Way Up (2005).

Fuente: http://www.patmethenygroup.com/

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Personajes - Miles Davis

Se trata de una de las figuras más relevantes e influyentes de la historia del jazz, junto con artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y John Coltrane. La carrera de Miles, que abarca cincuenta años, recorre la historia del jazz a lo largo de toda la segunda mitad del siglo XX, caracterizándose por su constante evolución y búsqueda de nuevos caminos artísticos: Davis participa con igual fuerza del bebop y del cool, como del hardbop y de la vanguardia jazzística, sobre todo en su vertiente modal y de fusión con el rock. El sonido de su trompeta es absolutamente característico por su uso de la sordina de acero Harmon, que le proporcionaba un toque más personal e íntimo; el sonido es suave y melódico, a base de notas cortas, tendente al lirismo y a la introspección.

Davis era hijo de un dentista, Dr. Miles Dewey Davis, Jr., y de una profesora de música, Cleota Mae (Henry) Davis; crece, por tanto, en una familia negra de clase media del este de San Luis, tras haberse trasladado allí la familia tras su nacimiento. Empezó a interesarse por la música durante su infancia y hacia los doce años empezó a recibir clases de trompeta. Mientras cursaba el instituto, empezó a conseguir trabajos tocando en bares locales y a los 16 ya tocaba fuera de la ciudad durante los fines de semana. A los 17, se unió a los Eddie Randle's Blue Devils, una banda regional de San Luis.

Su primer éxito musical se produjo en 1944 cuando, tras graduarse, pudo tocar con la banda de Billy Eckstine que estaba de gira por la ciudad y que contaba entre sus músicos con Charlie Parker y Dizzy Gillespie, artífices del emergente estilo bebop, caracterizado por su rapidez en la interpretación, solo inventivos y variaciones rítmicas muy dinámicas. El Davis joven, que venía de un estilo completamente diferente, hubo de amoldarse a la novedad. Lo hizo abandonando el medio oeste para asistir a las clases del Institute of Musical Art en Nueva York en septiembre de 1944.

Se puso a tocar muy pronto en distintos clubes junto con Charlie Parker y hacia 1945 abandonó sus estudios académicos para dedicarse por entero a su carrera como jazzista, en principio uniéndose a la formación de Benny Carter y haciendo sus primeras grabaciones como acompañante. Tocó de nuevo con Eckstine durante 1946-1947 y se convirtió en miembro del grupo de Parker durante 1947-1948, haciendo su grabación de debut como líder de una formación en una sesión de 1947 en la que también participarían Parker, el pianista John Lewis, el bajo Nelson Boyd y el batería Max Roach. Fue un hecho aislado y Davis pasaría la mayor parte de su tiempo tocando como respaldo de Parker. Sin embargo, durante el verano de 1948, Davis organizó un grupo con nueve músicos con una inusual sección de viento. Además de su trompeta, había un saxo alto, un saxo barítono, un trombón, un cuerno francés y una tuba.

Este noneto, basándose en los arreglos de Gil Evans y otros, tocó durante dos semanas en el Royal Roost de Nueva York en septiembre de 1948. Consiguen un contrato con Capitol Records y el grupo entra en un estudio en enero de 1949 para grabar la primera de las tres sesiones de las que surgieron 12 temas que, en principio, no llamarían excesivamente la atención. El relajado sonido del grupo, sin embargo, repercutió en los músicos que tocaban en él, entre los que estaban Kai Winding, Lee Konitz, Gerry Mulligan, John Lewis, J.J. Johnson y Kenny Clarke, y tuvo una enorme influencia en el desarrollo del cool en la costa oeste. En febrero de 1957, Capitol editó los 12 temas en un LP llamado Birth of the Cool.

En 1949 Davis lideraría una nueva formación con el pianista Tadd Dameron. En mayo de ese año se acercarían a París para participar en el Paris Jazz Festival.

A comienzos de los años cincuenta la carrera musical de Davis se vio afectada por su adicción a la heroína, realizando unas interpretaciones y grabaciones poco elaboradas. Pero ya en enero 1951 inició una larga serie de grabaciones para el sello Prestige que se convirtieron en su obra más relevante durante muchos años. A mediados de la década consiguió deshabituarse de la droga y causó enorme impresión tocando "'Round Midnight" en el Newport Jazz Festival en julio de 1955, interpretación que le valdría un contrato con Columbia Records.

El contrato le permitía mantener un grupo permanente y así fue como organizó un quinteto formado por el saxofonista John Coltrane, el pianista Red Garland, el bajo Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones. Su primera grabación, Round About Midnight, la realizarían en octubre de 1955. Al tiempo, debió completar los cinco discos que le faltaban por grabar para Prestige, entre lo que se encuentran los muy elogiados Cookin', Workin, Relaxin y Steamin. En mayo de 1957, solo tres meses después de la edición por parte de Capitol de Birth of the Cool, Davis se unió otra vez al arreglista Gil Evans para su segundo disco con Columbia, Miles Ahead. Tocando en esta ocasión el fliscornio, Davis se puso en 1958 al frente de una big band para llevar más lejos el concepto musical de Birth of the Cool y añadir alusiones clásicas.

En diciembre de 1957, Davis regresó a París, donde improvisó la música para la película L'Ascenseur pour l'Echafaud. Jazz Track, un disco que contenía esta música, le hizo conseguir en 1960 una nominación para los Grammy como mejor interpretación de jazz.

Crea luego el Miles Davis Sextet al contratar al saxofonista Cannonball Adderley. Graban Milestones en abril de 1958. Inmediatamente después, Red Garland es reemplazado al piano por Bill Evans y Jimmy Cobb sustituye a Philly Joe Jones en la batería. En julio, Davis vuelve a colaborar con Gil Evans y una orquesta en un disco de música para Porgy and Bess. De vuelta con su sexteto, Davis comienza a experimentar con la música modal, basando sus improvisaciones en escalas antes que en cambios de acordes. Llega así a su nueva grabación, Kind of Blue, de marzo y abril de 1959, disco que se convertiría en un hito del jazz moderno y en el más popular de toda su carrera, con una ventas superiores a los dos millones de copias. Graban junto a Davis: John Coltrane, Bill Evans, Wynton Kelly, Paul Chambers, Jimmy Cobb y Cannonball Adderley. En nuevas sesiones de noviembre de 1959 y marzo de 1960, Davis seguiría de nuevo colaborando con Gil Evans, grabando Sketches of Spain, que contiene música española tradicional y composiciones originales bajo los modelos de ese estilo. Consiguen nominaciones y un premio en los Grammy.

A finales de los 60 el pop está en auge y la psicodelia comienza a hacerse hueco. Es entonces cuando Miles da un giro radical a su estilo. Comienza la era eléctrica. En esta etapa destaca Bitches Brew, doble álbum realmente difícil de clasificar. Es una grabación de transición o más bien de fusión de estilos. Quizás algo profético. Se atisban pinceladas de free jazz, de jazz rock, de funk. Es predecesor del jazz fussion y de la formación de estas sesiones nacerían dos de los grupos más importantes de la fusión jazzística: Weather Report (Wayne Shorter y Joe Zawinul) y Mahavishnu Orchestra (John McLaughlin).

Las drogas y un aparatoso accidente apartaron a Davis de la escena musical durante un largo periodo. Volvió al candelero en la década de los 80 con grabaciones como Decoy, Aura, The Man with the Horn o Tutu en las que se deja llevar por las nuevas tendencias. Los ritmos funk y el inicio prematuro del acid jazz marcan sus últimos trabajos.

Discografía destacada
Birth of the Cool (1949), Round about midnight (1955), Cookin with the Miles Davis Quintet (1956), Steamin with the Miles Davis Quintet (1956), Relaxin with the Miles Davis Quintet (1956), Workin with the Miles Davis Quintet (1956), Kind of Blue (1959), Nefertiti (1967), Bitches Brew (1969), The Man with the Horn (1981), Decoy (1983), Aura (1985), Tutu (1989).

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Personajes - joaquín Sabina

Nació en Úbeda (Jaén) el 12 febrero de 1949, más conocido como Joaquín Sabina. Hijo de un comisario de policía. Con 14 años comenzó a escribir poemas y a componer música en una banda formada por amigos, los Merry Youngs, que mayormente se dedicaban a versionar a cantantes de rock como Elvis Presley, Chuck Berry y Little Richard. Cursó el bachillerato con las monjas Carmelitas y los sacerdotes Salesianos, en una época en la que escribía versos y leía a Fray Luis de León, Jorge Manrique y José Hierro mezclados con Proust, Joyce y Marcusse.

En 1968 parte a Granada a estudiar Filología Románica. De ideología de izquierdas, se relaciona con movimientos contrarios al gobierno Franquista. Ya en el 1970, comenzó a colaborar con la revista "poesía 70", compartiendo páginas con Luis Eduardo Aute o Carlos Cano. En ese mismo año lanza un cóctel molotov contra una oficina del Banco Bilbao, en protesta por el Proceso de Burgos, por lo que se ve obligado a exiliarse en Londres con el nombre falso de Mariano Zugasti.

En Londres escribe sus primeras canciones y organiza un cineclub con las películas de Luis Buñuel, prohibido entonces en la España franquista. Allí montó polémicas obras teatrales como “La excepción de la regla”, de Bertolt Brecht y “El cepillo de dientes”, de Jorge Díaz. En 1975 publicó el libreto de canciones “Memorias del exilio”, y comenzó a abrir conciertos para Paco Ibañez, Lluís Llach, Pi de la Serra y Elisa Serna, ante la colonia de exiliados ingleses, para más tarde producir la banda sonora de la serie “The last crusade”.

En el año 1977, tras la muerte de Franco, consigue volver a España. En ese mismo año se casa primera vez con Lucía, una chica argentina que conoció durante su exilio. No fue un matrimonio real, puesto que el enlace se celebró con el único propósito de conseguir permiso para salir a dormir fuera del cuartel durante el servicio militar que se había visto obligado a hacer. Posteriormente ha mantenido relaciones con varias mujeres, siendo la más notable Isabel Oliart, con la que tuvo dos hijas, Carmela y Rocío.

En 1978 se instala en Madrid con su mujer y edita su primer elepé, "Inventario". Al año siguiente comenzó a cantar en el café “La Mandrágora”, junto a Javier Krahe y Alberto Pérez, lugar al que acudió Fernando García Tola y los invitó a su programa “Esta Noche”. Tras publicar su primer disco, Inventario, Sabina cambia de estética y trata de borrar su opera prima de la faz de la tierra. Abandona el perfil de cantautor comprometido setentil y adopta una imagen rockera, más contemporánea. El éxito de sus sucesivos trabajos le hacen ganar fama, tanto a nivel nacional como en varios paises Sudaméricanos.

En 1999 publicó “19 días y 500 noches”, disco que vendió más de medio millón de copias en España y que le hizo ganar cuatro de los Premios de la Música de la SGAE 2000, además del de “Ondas 2000″ a la mejor canción. En 2002 sale a la venta el libro “Con buena letra”, que incluye ilustraciones y las letras de todas sus canciones y el disco “Dímelo en la calle”, al que la crítica considera como uno de los álbumes más importantes de ese año, y que se dio a conocer con el disco “69 punto G”. El levantamiento zapatista en Chiapas, México, el 1 de enero de 1994, tuvo un impacto importante en su vida. En su álbum Dímelo en la calle incluyó un tema escrito parcialmente por el vocero del EZLN, el Subcomandante Marcos, titulado "Como un dolor de muelas".

En verano de 2001, tras la publicación ese mismo año del álbum “Nos sobran los motivos”, sufre un leve infarto cerebral que puso su vida en peligro. Aunque pocas semanas más tardes se recupera sin sufrir secuelas físicas, influye en su forma de pensar. Dos años despues cancela la gira del álgum “Dímelo en la calle” argumentando problemas en las cuerdas vocales, posteriormente se descubre que se trataba de una excusa. Durante 3 años sufre una depresión, durante la cual reduce enormemente su actividad musical pero potencia enormemente su faceta literaria como poeta. Su último disco, Alivio de luto (2005), marca el fin de esta depresión y junto con su regreso a la carretera con la "Gira Ultramarina" ha supuesto el retorno del artista despues de más de 3 años de inactividad, durante esta gira se rodeó en el escenario de Pancho Varona, Olga Román, Antonio García de Diego y Pedro Barceló. En el año 2006 empezará con su nueva gira "Carretera y top manta" que comenzará en Gijón y le llevará por gran parte de la geografía española.

El director de cine vasco, Juanma Bajo Ulloa, ha sido el encargado de dirigir algunos de sus videos.

En Londres fue squatter durante un año, cuando vivió en una casa “okupada” ubicada frente a un circo londinense.
Tiene 2 hijas, Carmela (1989) y Rocío (1991). Por otro lado, su padre, comisario de policía, le detuvo a los 19 años por pertenecer al Partido Comunista.
En 1974, actuó ante George Harrison, quien celebraba su cumpleaños en un bar local llamado “Mexicano-Taverna”. El ex beatle le dio una propina de 5 libras y el propio Bob Dylan le prohibió tocar la versión paródica que hizo del tema In the beginning, que Sabina llamó Con su bikini.
La canción Pongamos que hablo de Madrid fue grabada por Antonio Flores antes que por Sabina, y alcanzó el número 1 en los 40 Principales.
El cantante Valderrama (hijo de Juanito Valderrama) le dedicó la canción Ahora te toca a ti en homenaje a su voz cenicienta y sus letras mordaces.

Discografía
Inventario (1978), Malas compañías (1980), La mandrágora (Javier Krahe, Joaquín Sabina, Alberto Pérez) (1981), Ruleta rusa (1984), Juez y parte (Joaquín Sabina y Viceversa) (1985), En directo (Joaquín Sabina y Viceversa) (1986), Hotel dulce hotel(1987), El hombre del traje gris (1988)
Mentiras piadosas (1990), Física y química (1992)
Esta boca es mía (1994), Yo, mi, me, contigo (1996)
Enemigos íntimos (Sabina y Páez) (1998), 19 días y 500 noches (1999), Nos sobran los motivos (Sabina y Cia) (2000), Dímelo en la calle (2002)
Diario de un peatón (2003), Motivos de un sentimiento (2003), Alivio de luto (2005)

Libros
De lo cantado y sus márgenes (1986). El hombre del traje gris (1989). Ciento volando de catorce (2001). Con buena letra (2002). Esta boca es mía (2005). Con buena letra 2 (2005).

Fuente: www.jsabina.com

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Personajes - Cesarea Evora

La nostalgia, es, ciertamente, parte de la cultura caboverdiana, tal y como la propia Cesarea Evora ha declarado en más de una ocasión. Cesarea Evora es la responsable de haber dado a conocer Cabo Verde al mundo a través de su música. El propio gobierno caboverdiano le ha facilitado un pasaporte diplomático, ya que pasa la mayor parte del tiempo dedicada a ofrecer conciertos por Europa, África y América.

Procedente de Cabo Verde, Cesarea Evora es conocida como la principal representante del estilo morna. Este estilo musical está asociado a las islas y combina la percusión de África Oeste con los fados portugueses y las modhinas brasileñas.

Evora comenzó a cantar a la edad de 16 años, acompañándose de una guitarra, y su talento se propagó pronto por todas las islas, hasta que a finales de los años 60 dos de sus mayores éxitos se comercializaron como álbumes en Holanda y Portugal.

Sin embargo, Evora nunca salió de su país y abandonó el mundo de la música a mediados de la siguiente década de los años 70, hasta que en 1985, a la edad de 45 años, decidió volver a sus orígenes musicales a través de su colaboración en la grabación, en Portugal, de una antología dedicada a cantantes femeninas de Cabo Verde.

A la grabación de la antología en Portugal, le siguió, poco después, otras sesiones de grabación en París, con las cuales se produjo como resultado los cuatro álbumes de Cesarea Evora publicados entre los años 1988 y 1992.

A partir de entonces, la fama internacional de su nombre comienza a iniciarse y Evora empieza sus giras de conciertos por Europa, África, Brasil y Canadá.

A estas giras siempre les acompañan pequeñas visitas a EE.UU. para ofrecer conciertos a la diáspora caboverdiana que reside allí. A comienzos de 1995, Evora viaja por primera vez a América y en los años siguientes realizará los trabajos que consolidaron su fama mundial: ’Cabo Verde’ (1997), ’Mar azul’ y ’Café Atlantico’, ambos en 1999.

’La diva descalza’

’La diva aux pieds nuds’ (La diva descalza) es el disco con el que Cesarea Evora vuelve a conectar con el público tras su vuelta a los escenarios. Con este trabajo, la reina de Cabo Verde rinde un amplio homenaje a las mujeres pobres de todo el mundo.

La pieza musical con la que se inicia el trabajo, ’Bia Lulucha’, es una canción tradicional acompañada por un ritmo de baile de discoteca y se convirtió en todo un éxito para la comunidad caboverdiana.

Su versión de una samba de Vincius de Moraes y Carlos Jobim también cobra fuerza y destaca el tratamiento vocal que aquí ofrece la diva. Como siempre, su estilo de mornas en este álbum queda muy marcado.

Evora consiguió hacer muchos mejores trabajos en los años posteriores a este álbum, aunque no se puede olvidar que en este ’La diva aux pieds nuds’ la diva consiguió unas canciones llenas de fuerza y se rodeó de los mejores círculos de músicos caboverdianos.

’Café Atlantico’

El glorioso Café Atlantico nos muestra a una Cesarea Evora acerándose más a los paisajes musicales latinoamericanos y alejándose más de las raíces portuguesas que habían dominado sus trabajos anteriores.

Las tendencias musicales cubanas y brasileñas se dejan notar en el efecto final del disco, pero también el trabajo es, al mismo tiempo, un tributo de la artista a su pueblo natal, Mindelo, en la isla caboverdiana de San Vicente, tradicional cruce de caminos para los marineros entre Sudamérica, Caribe y Portugal.

Con esta mezcla de estilos y tendencias, el resultado es nostálgico y trágico, pero cálido al mismo tiempo. La principal obra de este álbum, ’Carnaval de Sao Vicente’, es una de las mejores canciones de toda la discografia de Evora.

A ella se siguen ’Roma Criola’, una balada llena de tragedia, que contrasta con la vida y el color de ’Amor du mundo’, donde se recoge todo el concepto de fusión y emoción que encierra el disco en su conjunto.

’Sao Vicente di longue’

Cesarea Evora, para este trabajo, ha reunido a un panel de estrellas internacionales, con las que ha llegado a conseguir una obra maestra. Entre las colaboraciones de las que ha gozado en ’Sao Vicente di longue’, destacan las de Pedro Guerra, Caetano Veloso, Chucho Valdés o Bonnie Raitt.

En este su último álbum – por el momento- , sigue dominando el tono de nostalgia, salpicado de nuevo por notas luminosas de color. La nostalgia queda palpada en canciones cantadas en español, como ’Tiempo y silencio’ o ’Linda mimosa’, aunque tal vez el punto más álgido de nostalgia se alcance en ’Negue’, donde Cesarea Evora se atreve a cantar ante la soledad de un único piano.

Como en todos los trabajos de la artista caboverdiana, la fuerza invade el álbum desde el inicio hasta el final. En este caso, la pieza de inicio y que da título a la versión europea del álbum, ’Sao Vicente di longue’, una elegante y al mismo tiempo nostálgica apertura.

Fuente: © afrol News

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Personajes - Erykah Badu

Nacida en Dallas en 1972, lugar en el que sigue viviendo, Erica empezó a cantar a los cuatro años junto a su madre, Kolleen Wright, una actriz profesional. Compuso su primera canción a los siete años con la ayuda de un piano que le regaló su abuela. Siendo una adolescente, demostró su talento para cantar, bailar y el arte en general, mientras que escuchaba la música R&B de los 60’ y 70’, y la emergente cultura del Hip-Hop. En la escuela Booker T. Washington High, orientada artísticamente, solía rapear en una de las radios locales, llamada "Apples." Una vez descubierto su talento, se cambió el nombre de Erica Wright a Erikah Badu, - "kah" por "el ser interior" y "ba-du," en honor a los grandes cantantes de Jazz.

Badu entró en la universidad Grambling State University en Louisiana para estudiar teatro, pero regresó a Dallas para encaminarse hacia la música, trabajó como profesora de baile y drama, y de camarera. Formó un dúo con su primo, Robert "Free" Bradford, actuaron juntos como el dúo de Hip-Hop Erykah Free. Trabajando en un rodaje local conoció a un manager y su vida cambió.

Su maqueta de 19 canciones atrajo a los sellos discográficos, pero fue su contacto con D'Angelo el que puso a Badu en manos de su manager y ahora presidente de Motown, Kedar Massenburg, con quien firmó su contrato discográfico como solista. Después de cuatro años sin descansar, Erykah dio luz a su primer hijo Seven Sirius - el padre es el miembro del grupo OutKast, Dre (Andre Benjamin)- en casa con Andre, su madre y hermanas, el mismo día que salió su disco al mercado.

Cuando una artista cambia la escena con el simple hecho de aparecer, suele ser difícil recordar cómo estaban las cosas antes de su aparición. Como en la vida, solemos sustituir nuestras emociones recientes y priorizarlas. Después hemos de hacer un gran esfuerzo para recordar cómo nos sentíamos antes.

El soul no es lo mismo desde que Erikah Badu apareció. Sofisticada, sincera y profundamente espiritual, Erikah debutó en la escena con “Baduizm” (Kedar/ Universal, 1997). Nunca una artista de color había despertado tanta expectación, incluso fuera de los circuitos de black music. Ella define su experiencia con la música:"Mientras que creé y escribí la música, seguí creciendo como persona, como mujer y como Afro-Americana," dijo Badu aquel año. "Quise compartir aquellas experiencias con todo el mundo."

Su amor por la creatividad y su creencia en ella misma eran palpables, y aquellas cualidades fueron la prueba de su irresistible magnetismo. Su magnifica voz se funde perfectamente en la música e hipnotiza sin distinción. "On and On" fue el mejor comienzo para su carrera. La canción fue comparada de inmediato con Billie Holiday, y el vídeo, un juego con las escenas de The Color Purple, ofreció su propia visión, un estilo personal y coherente que nadie pudo malinterpretar. Talento a raudales y naturalidad que muy pronto la llevaría al cine.

Orgánico e innegable, “Baduizm” vendió un millón de copias en dos meses, el disco se lanzó en Febrero de 1997, antes de llegar a los tres millones hasta la fecha. Igual de rápido, fue su impacto en la gira Smokin' Grooves Tour y Lilith Fair, que la motivaron para el siguiente disco, Live! (Kedar/Universal, 1997), del que vendió dos millones de copias, y del que destacó la canción "Tyrone." Improvisada por Badu en su paso por Londres, con "Tyrone" se mostró como una excelente compositora con un gran sentido de la responsabilidad hacia su público.

A pesar de retrasar el lanzamiento de su segundo disco en varias ocasiones, sus apariciones en directo no la hicieron desparecer ante el público. Desde que apareció en el vídeo de D'Angelo, "Lady", y haciendo un dúo con él en "Your Precious Love" para la banda sonora de High School High, Badu ha participado en la banda sonora de Eve's Bayou ("A Child With the Blues"), Hav Plenty ("Ye Yo") y Bamboozled (Chaka Khan's "Hollywood," y un dúo con Common, "The Light"). Recientemente se la puede escuchar a dúo con Guru en el tema "Plenty" en su último lanzamiento, "Street Soul." Su colaboración con Roots, "You Got Me," fue la canción de primavera/verano de 1999, y le dio a Badu su tercer Grammy, Mejor Actuación Rap por un Dúo o Grupo, en el 2000.

Escribe, produce, dirige, canta, baila e interpreta. Dirigió los vídeos "Next Lifetime," y "Other Side of the Game," con resultados muy positivos. Su voz resonó universalmente en un mercado que se había polarizado por aquellos que sólo escuchaban unos cuantos discos. Después de experimentar en el teatro, Erikah demostró su capacidad interpretativa en películas como “Las normas de la casa de la sidra” y “Blues Brothers 2000”, "On and On," y “One Life To Live”.

Con su tercer disco, Mama's Gun, ERYKAH BADU define una vez más la creatividad potencial de su música. Erykah Badu utiliza y conjuga Jazz, R&B, Soul y las influencias urbanas originales de los ’70. "Bag Lady" y el vídeo homónimo dirigido por ella misma la posicionaron de nuevo en el Número 1. Muy espiritual y rítmica, con los pies en la tierra, sensible y sensual, es un ejemplo más de la expresión que valoramos en ella. Para sus fans, seguidores, y para muchos de sus propios ídolos artísticos, Badu es un nuevo icono. No se trata sólo de su magnífica obra; es ella misma que conmueve y altera todo lo que toca.

Se ha dicho mucho del brillante estilo de Badu, desde Billie Holiday y Bessie Smith hasta Marvin Gaye, Curtis Mayfield y Chaka Khan. "Hay millones de átomos de su música en la mía,” contó Badu a las noticias The Dallas Morning News, explicando a dotmusic: "No es nostálgico; para mí es real." Añadió también, "Chaka Khan dio su consentimiento (de la versión dinámica de 'Stay'), ¡así qué da igual lo que digan los demás!".
Erikah se mueve con extrema facilidad en todos los registros. Cadente y sutil en el Jazz y el Downtempo, sensual en el Soul y sincera en el hip hop. Roberta Flack dijo de ella: "Me encanta su voz tan única...tiene una forma maravillosa de expresar lo que los demás no han sabido hacer.” Ha sido la puesta en escena de Badu, su manera de completar su visón artistica la que ha incitado a otros artistas a no copiarla, pero sí a encontrar sus propias voces.

Mama's Gun no reflejaba una "re-invención" de un calculado mercado de Hollywood o de la industria musical, sino sencillez, crecimiento, evolución y aprendizaje. "Este es mi don, mi bebé, mi arte,". "La fuerza viene de la creatividad, porque recuerda al innovador.” Es como dijo Marvin Gaye una vez, "Una persona deja en la música lo que es," entonces el talento, experiencia e interior de Erykah Badu seguirá siendo un placer, y todo un reto para nosotros.

“Worldwide Underground”, el último disco de Erykah Badu.

Fuente: http://www.erykahbadu.com

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Personajes - Caetano Veloso

Caetano Veloso nació el 7 de agosto de 1942 en Santo Amaro de Purificação (Brasil). Al poco tiempo su familia se trasladó a Salvador de Bahía, donde pasó su juventud y estudió en la Universidad de Artes.

A fines de 1966 acompañó a su hermana María Bethania, quien había sido invitada a cantar en una obra musical en Río de Janeiro; obtuvo su primer éxito cuando su hermana grabó su primera composición.

Rápidamente ganó algunos premios y pudo grabar su primer álbum con Gal Costa: Domingo. En 1968, junto a Gilberto Gil, fue uno de los primeros emprendedores del tropicalismo, movimiento cultural cuyo objetivo era la re-evaluación de la música tradicional brasileña. Grabó en 1968 su primer álbum solista llamado Caetano Veloso y su música cruzó las fronteras con su controvertida É proibido proibir.

Le fueron otorgados varios premios en distintos festivales de televisión. Un año después, logró con su álbum Tropicalia, que surgiera el movimiento musical conocido como tropicalismo, del que forman parte algunos músicos de Bahía como Gilberto Gil, Gal Costa o María Bethania.

En 1969 debido a la dictadura que asolaba Brasil, Veloso se vio obligado a exiliarse a Londres (Reino Unido), tres años más tarde regresó a Brasil y grabó Araca azul, un disco experimental.

En 1976 formó un grupo con Gilberto Gil, Gal Costa y María Bethania, e hicieron una gira por Brasil con el nombre de "Doces bárbaros".

Bicho fue lanzado en 1977 influenciado por el contacto que tuviera con la cultura nigeriana, donde había estado algunos meses antes. Ese mismo año fue publicado Alegría, un libro que es una colección de artículos y poemas que abarca desde 1965 hasta 1976.

En 1981 se hizo con su primer éxito con Outras palavras, y a partir de entonces su fama se extendió a todos los rincones del mundo. Ya en 1989 fue lanzado Estrangeiro. En 1991 fue lanzado un nuevo álbum llamado Circuladô. La letra que dio nombre al álbum fue un poema de Haroldo Campos, poeta brasileño. El diseño de la tapa de Circuladô ao vivo fue idea de Caetano y fue lanzada en 1992 como una pieza maestra. En 1993 fue lanzado Tropicalia 2 con Gilberto Gil. En 1998 marca un hito en su discografía con “Livro”, uno de sus mejores álbumes. De estilo y producción extravagante tecno-pop Fina Estampa aparece en el 2000, ese mismo año le invitaron a "Pavarotti and friends", Noites do norte editado en 2001.

El tour- de este último disco le llevó por todo Brasil, Francia, Portugal, Alemania y Argentina. En Italia, además, dio un concierto privado para celebrar el 80 cumpleaños de Michelangelo Antonioni y recibió de éste, el premio "Antonioni" creado por el prestigioso director para honrar a las personalidades que más contribuyen al mundo del arte.

Sus apariciones frecuentes en el programa de TV “Esta Noite Se Improvisa” le convierten en un personaje cada vez más popular. Su canción “Alegria” logra el cuarto premio en el III Festival de TV-Record. Pero en sí el hito está en que es la primera vez que una pieza premiada contiene un acompañamiento de guitarras eléctricas. Esto le catapulta a la máxima popularidad. Se casa con Dedé en una ceremonia hippie que marca época y crea escuela en Brasil.

El cine a atrapado también a Caetano. Debe reseñarse específicamente su homenaje a Fellini en “Omaggio a Federico e Guilietta”, grabado en directo, en el que Veloso explora las partituras de Nino Rota, el compositor favorito del legendario director de cine italiano. Lo que su participación en la película "Hable con ella" de su amigo Pedro Almodóvar. La versión de "Cucurrucucú Paloma" toma nueva dimension entre las manos de estos dos genios. Esta versión queda incluida en el último disco de Caetano Veloso: Freequency (Gran Vía Musical).

En particular una canción muy recomendable es Mimar Voce, más aún en su versión en vivo, en el disco Noites do norte (ao vivo).

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Personajes - Plácido Domingo

José Plácido Domingo Embil, tenor, cantante y director de ópera hispano-mexicano nacido en Madrid el 21 de enero de 1941.

Hijo de los cantantes de zarzuela, Plácido Domingo y Pepita Embil. Conocido en su familia como ``El Granado´´ por cantar desde muy chico la canción Granada de Agustín Lara. En 1949 su familia se trasladó a la Ciudad de México para trabajar en teatro musical y pronto se destacó por las lecciones de piano para luego estudiar en la Escuela Nacional de Artes y en el Conservatorio Nacional de Música de la capital mexicana. Luego se casó a los 17 años con la soprano mexicana (Veracruz) Marta Ornelas y realizó su debut en la Traviata en la ciudad de Monterrey y Luego vuelve a Ciudad de México al Palacio de Bellas Artes a interpretar zarzuela con sus padres. Fue arreglista de los famosos Rockanroleros Enrique Guzmán y Cesar Costa y fue parte de los coros en las grabaciones de èstos. Posteriormente, Placido pasó 2 años con la Opera Nacional de Israel, de la cual nacería su fama que actualmente no cesa desde entonces.

Realizó numerosos debuts en los Estados Unidos sobre todo en Nueva York y San Francisco, aunque tampoco dejó de hacer giras en ciudades de Europa, durante los años 1960, realizando numerosos papeles musicales y su repertorio, está compuesto amplia gama de directores entre ellos von Karajan, Zubin Metha, James Levine, entre otros, y compositores de música clásica muy conocidos. Como director de Opera, inició sus actividades en 1973 del cual no ha cesado hasta nuestros días.

Grabó dúos con diversos cantantes como John Denver, José María Cano, Alejandro Fernández, Carlos Santana, Luis Cobos, Caetano Veloso, Patricia Kaas, etc. y con José Carreras y Luciano Pavarotti, formó en 1990, la celebre sociedad artística de Los Tres Tenores.

Su repertorio es muy variado y en varios idiomas desde los clásicos, pasando por canciones navideñas, canciones infantiles (Cri-Cri) con mariachi y musica latinoamericana.

Es considerado el mejor Otelo en la historia de la Opera, incluso Sir Lawrence Olivier al hacer la observación en Otelo dice:"Se desplaza en el escenario como todo un gran actor, además, el muy bribón; Canta".

Es también gran filantropo, ha ayudado a los necesitados en diferentes partes del mundo, como en catastrofes naturales, ya sea en terremotos o huracanes.

El gobierno mexicano le otorgó el premio de la orden Aguila Azteca, máximo galardón otorgado a un extranjero, por parte del Gobierno de México, por su Gran labor en la atención de afectados en el Terremoto de 1985 (Septiembre, 19), sin importarle perder su distiguida voz en las tareas de rescate. Entre los afectados estaban familiares del Tenor.

Instituye en el año 1994, desde la Ciudad de México, el premio Operalia a lo mejor de la ópera en el mundo.

Díficil tarea es mencionar la totalidad de los discos grabados por este Intérprete, te recomendamos algunos de ellos: Noches En Los Jardines De España, El Sombrero De Tres Picos(2000), Fidelio (1999), 100 Años de Mariachi(1999), Carmen (1967), Otello(1978), Tangos(1981), Domingo at the Philharmonic(1989),Il Trovatore(1994), Three Tenors(1994), Canta Para Mexico (1993), Christmas in Vienna(1992)Opera Duets(1993), Rio de Janeiro (1992 — 1993), Concert for Planet Earth(1942).

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