Personajes - Compay Segundo

Compay Segundo pasará a la historia de la música no sólo por ser el inventor del "armónico" (instrumento de siete cuerdas, mezcla de guitarra y 'tres' cubano), sino por ser uno de los más destacados intérpretes de la historia del son cubano y de la música afrocubana en general. Su música provoca en el oyente una suerte de optimismo con un deje de amargura. Nacido en septiembre de 1907 en Siboney, en el oriente cubano, su verdadero nombre es Francisco Repilado. Su longevidad tiene precedentes: es nieto de una esclava liberada que vivió 116 años. Con 9 años se instaló en Santiago de Cuba, donde asistió a algunas clases de solfeo antes de ingresar en la Banda Municipal de la ciudad, donde coincidiría con los componentes del Trio Matamoros.

Sus inicios en la música le llevaron por diferentes grupos. Todavía adolescente, entra en el Cuarteto Cubanacán, para después trabajar con los Cuban Stars. Una vez se trasladó a La Habana, se incorpora al Cuarteto Hatuey, donde estaba Evelio Machín, hermano de Antonio. Sin embargo tendría que esperar a 1942 para que se produjera el primer momento de verdadera importancia en su todavía incipiente carrera. Junto a Lorenzo Hierrezuelo crea el dúo Los Compadres, grupo mítico del son cubano. Es en este periodo cuando recibe su apodo, ya que a Hierrezuelo se le empieza a conocer como Compay Primo, mientras que a él se le llama Compay Segundo.

Durante la década de los cuarenta también colabora con Miguel Matamoros y conoce a la gran leyenda de la música cubana, Benny Moré. En 1950 se separan Los Compadres y Compay forma su banda, Compay Segundo y Su Grupo, en la que participan como cantantes Carlos Embale y Pío Leyva. Sin embargo, entre la década de los sesenta y finales de la de los ochenta, Compay segundo cae en el ostracismo más absoluto, a pesar de que sigue tocando. Sin embargo, esto no le da para vivir y debe volver a su viejo oficio de tabaquero.

Sería en 1989 cuando el musicólogo Danilo Orozco relanza su carrera al llevarle a tocar al Smithsonian Institute de Washington junto al Cuarteto Patria y Rapindey. Su colaboración con Santiago Auserón o sus conciertos junto al cantaor flamenco Chano Lobato hacen que poco a poco su popularidad vaya creciendo en Europa. Pero sería su participación en el proyecto Buena Vista Social Club, auspiciado por el guitarrista Ry Cooder, el que haría que él, y otros tantos veteranos músicos de Cuba, fueran publicitados por todo el mundo (premio Grammy incluido). Compay Segundo apareció también en la película del mismo nombre realizada posteriormente por Wim Wenders.

Tras este empujón comercial, Compay ve como comienza de nuevo su carrera a los noventa años. La publicación de sus discos ha crecido en los últimos años. Entre sus últimos trabajos se encuentra Calle Salud (1999), título que homenajea a la calle de la Habana en la que vivió el artista.

En los últimos años actuó ante millones de espectadores y grabó nueve discos,entre ellos "Antología de Compay Segundo", "Yo vengo aquí", "Calle Salud", "Saludo Compay" y "Las flores de la vida". No pudo cumplir su sueño de morir a la edad en que lo hizo su abuela. Falleció en La Habana debido a una insuficiencia renal el 14 de julio del 2003 a los 95 años.

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Personajes - Silvio Rodríguez

Silvio Rodríguez Domínguez, hijo de Argelia y Dagoberto, vino al mundo un 29 de noviembre (del penúltimo mes) de 1946 (después de que una Gran Guerra terminó) en el pueblo de San Antonio de Los Baños, Cuba.

A los cuatro años de nacer, su familia se trasladó a La Habana donde recibió gratuitamente sus primeras clases de piano. Cuando el futuro cantautor contaba con 10, sus padres se divorciaron y la madre se llevó a él y a su hermana de regreso a su pueblo natal (Yo soy de donde hay un río... de plantas ahogadas) para regresar a La Habana en 1958, un mes antes del triunfo de La Revolución.

En 1961, Silvio participa en las campañas de alfabetización, y al año siguiente empieza a trabajar como dibujante de comics en distintas revistas cubanas, época en la cual un amigo le enseña a tocar la guitarra. También en esos años conoce a Vicente Feliú.

En 1964 empezaría a cumplir el servicio militar, durante el cuál, por las noches para matar el aburrimiento, comenzaría a tocar y componer canciones (de esa época son algunas conocidas en la actualidad como El viento eres tú, Y nada más, La Canción de la Trova o Quédate). También formaría un dúo con Luis López, quien tocaba la guitarra eléctrica. Pronto empezaría a escribir artículos periodísticos y poemas para distintas revistas. En 1967, Mario Roemu, padre de una amiga de Silvio, lo anima a presentarse en el programa de televisión “Música y estrellas”, y le hace los arreglos de Sueño del colgado y la tierra y Quédate, las canciones que interpretaría. En esa época comienza a dar sus primeros recitales en solitario o como telonero de César Portillo de la Luz (autor del conocido bolero Contigo en la distancia), y entró en la Casa de las Américas, organización cultural dirigida por Haydée Santamaría, donde coincidió con otros cantautores como Pablo Milanés o Noel Nicola. Al morir el Che Guevara, Silvio compone con sonidos rockeros La era está pariendo un corazón y Fusil contra Fusil, canciones que, en 1968, se incluirían en el disco colectivo “Hasta la victoria siempre”. También comenzaría en aquella época a aparecer como artista principal en el programa de televisión “Mientras tanto”, que se retiró de antena después de que Silvio elogiase a los Beatles.

En 1969, se enrola en el barco pesquero Playa Girón, (por el día o por la noche el pescador sale a la mar) y navega durante casi 5 meses por el Atlántico y las costas africanas (haciendo escala en Gran Canaria, Lanzarote y Senegal). Durante el transcurso del viaje compone un total de 72 canciones (muchas de ellas conocidas, como pueden ser Ojalá, Playa Girón, Boga boga, Jerusalén Año Cero, Cuando digo Futuro, Al final de este viaje en la vida,...) que muchos años más tarde se editarían en el libro de poesía “Canciones del Mar”.

A principio de los setenta, junto con Pablo Milanés y otros de los que luego formarían parte de la Nueva Trova, empieza a formar parte del Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC (GESI)que se encargaría de grabar bandas sonoras de distintas películas y documentales cubanos. Recibe una completa educación musical de la mano de maestros como Leo Brower. El GESI investigaría y fusionaría elementos de la música tradicional cubana y brasileña, el rock, el jazz, la música clásica, la música electrónica, el happening, el fenómeno beat, etc... dando como resultado un original sonido. De esta época son algunas grabaciones como Fusil contra fusil; Papalote; Cuba va (un curioso rock cantado junto a Pablo Milanés y Noel Nicola); De la ausencia y de ti, Velia; El Mayor; Granma (una espectacular obra colectiva); Oveja Negra; Si tengo un hermano; etc... Estas canciones serían editadas años más tardes en discos como los tres del GESI, “Cuando digo futuro” o “Memorias”.

En 1972 hace gira por Alemania y Chile, donde actúa con Isabel Parra (hija de Violeta) y Víctor Jara (quien moriría asesinado al año siguiente tras el golpe militar de Pinochet). Ese año se celebraría en la Habana el “Encuentro de música latinoamericana”. A finales de año, el 1º de diciembre, Silvio, Pablo y otros nuevos cantautores cubanos, la mayoría vinculados al GESI (Noel Incola, Eduardo Ramos, Augusto Blanca, Pedro Luis Ferrer, Santiago Feliú, Vicente Feliú, Sara González, Pancho Amat (tresero que años más tarde formaría parte de la banda de Juan Perro), etc...), se unen para formar la Nueva Trova Cubana y se dedican a buscar a nuevos trovadores por toda la isla.

En 1973 se celebró en la República Dominicana el festival internacional de cantautores “7 días con el pueblo”, al que asistieron además de Silvio, Mercedes Sosa, Ana Belén, Víctor Manuel, Pi de la Serra, etc... Posteriormente viaja por toda Latinoamérica.

En 1975 graba su primer LP “Días y flores” (en España, debido a la prohibición de la canción que da título al disco y de “Santiago de Chile”, se tituló “Te doy una canción”), con el acompañamiento de los músicos del GESI y de la Orquesta EGREM. Destacan los temas Pequeña serenata diurna, con aires brasileños, Yo digo que las estrella, y el surrealista Sueño con serpientes. El uruguayo Daniel Viglietti grabaría también un disco con el GESI.

En 1976, Silvio se alista como miembro de la “brigada artística” para ir junto con las brigadas internacionalistas cubanas a la guerra de Angola. Tras hacer Testamento (luego grabado en el disco “Rabo de Nube”), marcha hacia ese país, donde compone entre otras Canción para mi soldado, Pioneros y La gaviota. A su regreso hace una gira por España, donde grabaría acompañado sólo de su guitarra el disco “Al final de este viaje...” donde cantaba algunas de sus primeras canciones (algunas de ellas ya grabadas con el GESI y editadas en discos recopilatorios), como Ojalá, La era está pariendo un corazón, Canción del elegido y Óleo de mujer con sombrero (perteneciente a una tetralogía pictórica de la que sólo sería conocida el Óleo). Su siguiente disco, en 1979, también sería sólo con guitarra, aunque ya con una técnica más madura, se tituló “Mujeres” con temas como Adonde van, el humorístico Cierta historia de amor, y Qué hago ahora (¿dónde pongo lo hallado?).

Ha finales de los '70 viajaría por primera vez a Estados Unidos, actuando junto a Pete Seeger, y luego a Dinamarca y Noruega. A partir de entonces empezaría a hacer giras por toda América Latina, y España. En 1980 grabó “Rabo de Nube I” (el segundo volumen jamás llegó a grabarse), donde combinaba elementos acústicos con teclados y sintetizadores. El disco incluía la colaboración de la hermana de Silvio, Anabel López, en Te amaré, y de Yanela Lojos en el arpa de Rabo de Nube. El disco incluía además temas como Vamos a andar, Fábula de los tres hermanos y Testamento, que termina con una curiosa coda instrumental. En 1981, durante un concierto en Zaragoza (España), la policía irrumpió en el escenario y desalojó el recinto usando gases lacrimógenos.

En 1982 grabó “Unicornio”, que incluía la canción de mismo título que luego se convertiría en la posiblemente más famosa de Silvio. El disco, con una orquestación más rica que el anterior, incluía además la Canción urgente para Nicaragua, un homenaje a la revolución sandinista, Por quien merece amor, una crítica a la Estados Unidos y un canto a la solidaridad internacionalista cubana, La Maza y otros temas de temática diversa. En la gira estaría acompañado por Pablo Milanés y tres músicos más. El concierto en Argentina, con la colaboración de músicos como León Giecco o Piero, sería editado luego en disco. En 1983 colaboraría en el disco de Aute “Entre amigos”. En 1984 grabó el disco triple “Tríptico”, acompañado de EGREM, antiguos músicos del GESI, y las cuerdas de la Camerata Brindis de Salas, con colaboraciones como Anabel López, Pablo Milanés, Pancho Amat o el grupo Manguaré. En 1985 colaboraría en el disco Querido Pablo, donde el cantautor Pablo Milanés, en un disco producido por Víctor Manuel, daría un repaso a sus viejos temas con nuevos arreglos y con colaboraciones de viejos amigos cantautores y escritores.

En 1985, Silvio Rodríguez comenzaría una gira con el grupo Afrocuba, dirigido por Oriente López, y con algo más de 10 músicos. Con ellos grabaría en 1986 en Madrid el doble disco “Causas y azares" (con temas como Te conozco con una bellísima coda instrumental, Sueño de una noche de verano, en ambiente de rock and roll, Canción en harapos, una crítica a la hipocresía y la comodidad “pequeñoburguesa” con la que él mismo se golpea para no caer en ella, Réquiem, una triste canción de desamor o No hacen falta alas), y en 1988, entre Londres y La Habana, el también doble “Oh melancolía” (con temas como el feminista Eva; una reflexión sobre quien fue realmente, si es que existió, Jesucristo: Jerusalén año cero; un homenaje a la luna y a los viajes espaciales: En el jardín de la noche; o un tema de salsa bastante mal visto por los críticos: El extraño caso de las damas de África). El segundo de estos disco fue considerado por algunos como demasiado comercial, sin embargo se trata de un disco de una gran calidad.

Posteriormente, en 1990, Silvio haría gira con el mítico grupo cubano Irakere y el gran pianista Chucho Valdés. Tras la apertura democrática en Chile, Silvio viajaría con su grupo a ese país y daría un concierto en el Estadio Nacional de Santiago, ante 80.000 personas. De este concierto saldría un disco triple (y CD doble), en el que aparecerían temas no grabados en estudio como Venga la esperanza o la bellísima El hombre extraño dedicada a Víctor Jara. En 1992 hizo gira con Diákara (con músicos de Afrocuba e Irakere) y comenzaría a grabar un disco que aún no ha sido publicado. Por esa época empezaría a apoyar a músicos de la llamada Novísima Trova Cubana, como Carlos Varela; y colaboraría en discos de distintos artistas y grupos como Taller Canario. y por eso es y será el mejor trovador del mundo.

En 1992 hacía su aparición el disco Silvio, el primero de una trilogía (luego tetralogía con “Descartes”) en principio sólo con guitarra. Le seguirían “Rodríguez” (1994) y “Domínguez” (1996). Esos discos con una gran aceptación entre el público, incluían temas como Quien fuera, La guitarra del joven soldado (recordando su juventud), el swing La desilusión, El escaramujo (no se pierdan la versión que los Vocal Sampling hicieron de este tema), Flores nocturnas (un canto a las prostitutas), Desnuda y con sombrilla (un curioso tema erótico), Ala de colibrí, Canción del trovador errante (un tema totalmente hablado sobre un fondo electrónico), Me quieren (un divertido tema sobre sus “enemigos”) o Reino de todavía (sobre la situación actual entre Cuba y Estados Unidos). Esta trilogía casi sólo con guitarra (con pequeños toques de percusión manual y “natural” y tímidos elementos eléctricos en “Domínguez”, donde colaborarían la madre y la hermana del cantante), se vio completada con “Descartes”, de menor difusión, y con un sonido demasiado monótono que se salva gracias a temas como Rosana. En 1993 grabaría con Luis Eduardo Aute el disco en directo “Mano a mano”, y volverían a hacer gira juntos a finales de los 90.

En 1999 editó junto con el guitarrista Rey Guerra el disco “Mariposas”, con la colaboración de la compañera de Silvio, Niurka González, tocando la flauta en dos temas. Disco sin el éxito de los anteriores, incluiría temas como Olivia, Viñeta o Sin hijo ni árbol ni libro. Después de un periodo sin giras se puso manos a la obra para componer y arreglar su siguiente disco que sería orquestal. “Expedición” sería editado en el 2002, y en el participaron miembros de la Orquesta Nacional de Cuba, estudiantes de música, algunos de los músicos habituales en la discografía de Silvio (Anabel López, Pancho Amat, Niurka González, Yanela Lojos, etc...), y miembros de Diakara. Incluye temas como Tiempo de ser fantasma, Sortilegio, Fronteras o Anoche fue la orquesta.

En 2003 Edita el disco "Cita con ángeles", dedicado a su hija nacida hace poco, y cuya madre es la destacada flautista traversa Niurka González, que participa en el disco también. Este disco tiene temas que hablan sobre la situación actual en el mundo, principalmente sobre el conflicto USA-Medio Oriente.

Discografía
Existen variaciones a esta discografía provocadas por diversas causas: casa discográfica, editores, censura, etc. Muchos discos han sido alterados, títulos cambiados, canciones y carátulas reordenandas.

Ésta es la discografía original. Las alteraciones se mostrarán en la página de cada disco.

Días y flores (1975), Al final de este viaje... 1968/1970 (1978), Mujeres (1978), Rabo de Nube (1979), Unicornio (1982), Tríptico Volumen Uno (1984), Tríptico Volumen Dos (1984), Tríptico Volumen Tres (1984), Causas y Azares (1986), Árboles (Silvio Rodriguez/Roy Brown)(1987), Oh Melancolía (1988), Silvio Rodríguez en Chile (1991), Silvio (1992), Mano a mano (Silvio Rodríguez y Luis Eduardo Aute) (1993), Rodríguez (1994), Domínguez (1996), Descartes (1998), Mariposas (1999), Expedición (2002), Cita con Ángeles (2003).

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Personajes - Roger Waters

George Roger Waters (nacido el 6 de septiembre de 1944 en Great Bookham, Reino Unido) es un músico y compositor británico de rock and roll conocido por ser fundador, bajo, vocalista y principal compositor del grupo Pink Floyd.

Después de que otro de los fundadores de Pink Floyd, Syd Barrett, sufriera una grave enfermedad mental en los años 1960, Waters tomó la dirección artística del grupo junto con David Gilmour, llevando a Pink Floyd a sus cimas musicales y produciendo una serie de discos que han quedado dentro de los más aclamados y vendidos de todos los tiempos.

Las relaciones de Waters con Gilmour se enturbiaron a finales de los años 1970, conforme el primero ejercía mayor control creativo sobre los trabajos del grupo. En 1979 se publicó la opera rock The Wall, prácticamente obra de Waters, y en el 1983 se publicó The Final Cut en el que Roger Waters figuraba como autor y Pink Floyd como la banda que tocaba la música, sin la presencia del tecladista Richard Wright. Waters dejó el grupo en 1985 y tuvo disputas legales con los restantes miembros de la banda para intentar que éste no volviera a utilizar el nombre de Pink Floyd, ya que solo se mantenía uno de los fundadores del grupo (Nick Mason) y la mayoría de las composiciones eran obra del propio Waters. No obstante, Gilmour consiguió los derechos sobre la marca Pink Floyd y la mayoría de la obra, mientras que Waters consiguió los derechos sobre The Wall y otras de sus composiciones.

A partir de ahí, Roger Waters continuó su carrera en solitario, produciendo tres discos y la banda sonora de una película. Después de Amused to Death en 1992, Waters dedicó la mayor parte de los años 1990 a componer una ópera titulada Ça Ira, publicada en septiembre de 2005.

Después de la caída del Muro de Berlín en 1989, Waters organizó un gigantesco concierto, The Wall Live in Berlin, el 21 de julio de 1990 para conmemorar el fin de la división de las dos Alemanias y que tuvo lugar en Potsdamer Platz, una plaza simbólica que estuvo en la "tierra de nadie" del Muro de Berlín. En el concierto participaron varios grandes músicos y grupos y en su momento fue el mayor concierto nunca celebrado.

A finales de los años 1990 Waters retomó las giras con conciertos en los que buscó audiencias menores, hastiado en parte por la alienación del público con las estrellas del rock que había vivido con Pink Floyd. En estos conciertos mezclaba canciones muy conocidas de su época anterior con nuevos trabajos de sus discos en solitario.

En 2002 Waters celebró un concierto organizado para apoyar la caza del zorro en el Reino Unido, en contra de una ley de prohibición de la cacería de estos animales. Al aprobar el parlamento Británico esta ley que Waters considera "en contra de las costumbres británicas", decidió autoexiliarse de Inglaterra y actualmente vive en Nueva York.

Waters expresaba recurrentemente su rechazo a las guerras pasadas y presentes, como queda patente en The Wall y The Final Cut, entrando también en la denuncia de la guerra nuclear en sus trabajos en solitario, como en Radio K.A.O.S. y Amused to Death. Mucho tendría que ver que su padre, Eric Fletcher Waters, soldado de los Reales Fusileros, muriera en la campaña de Anzio durante la Segunda Guerra Mundial, en una batalla en la que Waters acusa a los mandos británicos de haber sacrificado a muchos soldados, como bien describe en el tema "When The Tigers Broke Free" de la película Pink Floyd: The Wall que no apareció en el album.

El 2 de julio de 2005, Waters hace una aparición histórica con parte del álbum Dark Side of the Moon(Breathe, Breathe (Reprise)) seguido del tema "Wish You Were Here" y de "Confortably Numb" del disco The Wall, junto con David Gilmour, Rick Wright y Nick Mason; conformando nuevamente la formación más popular de la banda durante el Live 8 (Promovido por Bob Geldof, activista y actor de la pelicula The Wall).

El último trabajo de Roger Waters, Ça Ira, salió a la venta el 27 de septiembre de 2005 (Inglaterra).

En Junio de 2006, comienza una nueva gira europea y norteamericana.

Discografía en solitario de Roger Waters
Music from "The Body" (28 de Noviembre de 1970) (Banda sonora de la serie de televisión "The Body" junto a Ron Geesin)
The Pros and Cons of Hitchhiking (8 de Mayo de 1984)
When the Wind Blows (30 de Octubre de 1986) (Banda sonora)
Radio K.A.O.S. (15 de Junio de 1987)
The Wall Live in Berlin (17 de Septiembre de 1990) (disco y video en directo)
Amused to Death (1 de Septiembre de 1992)
In the Flesh Live (5 de Diciembre de 2000) (disco y video en directo)
Flickering Flame: The Solo Years Vol. 1 (6 de Mayo de 2002)
To Kild the Child / Leaving Beirut (3 de Enero de 2005) - Edición Japonesa.
Ça Ira (27 de Septiembre de 2005)

Discografía en solitario de Roger Waters - participaciones en bandas sonoras y discos de otros artistas
The Dybbuk of the Holy Apple Field (1998) (Banda sonora de la película israelí homónima, Roger Waters interpreta un cover del tema de Bob Dylan "Knockin' On Heaven's Door).
The Legend of 1900 (1999) (Banda sonora de Ennio Morricone, Roger Waters es el autor del último tema del disco "Lost Boys Calling" con la participación en guitarra de Eddie Van Halen).
Vagabond Ways (2000) (Disco de Marianne Faithfull, Roger Waters participa como bajista y compositor del tema "Incarceration Of a Flower Child).

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Personajes - Björk

De entre los extraños parajes y leyendas chamánicas de Islandia (e intensamente aferrada y ligada a ambas cosas), apareció un día una mujer con una apariencia y una voz bastante peculiares; que revolucionó (sea para bien o para mal) la música electrónica de los 90. Buscadora incansable de nuevos sonidos, innovadora en cuanto a texturas y con una profunda e inimitable concepción sonora de la música, esta mujer rompió esquemas en el mercado musical (me refiero a su carrera en solitario) allá por los principios/mediados de la década pasada. No obstante, su periplo por la música empezó muchísimo antes.

Desde que era pequeña, su padrastro vió en ella una habilidad innata para la música y la matriculó en la escuela de música de Reyjkjavyk en piano, flauta y acordeón. Incluso llegó a editar un disco de versiones en islandés del clásicos del rock. En plena adolescencia, entre los años 1979 y 1982, probó suerte formando varias bandas con influencias punk, jazz, blues, rock (que le venían por la educación musical en la que le encaminó su padrastro) y psicodelia (estilo que ella misma odiaba, pero quiso probar), pero no tuvo repercusión ninguna en el mundillo. Fue en 1981, mientras colaboraba con varias bandas, cuando formó su primer proyecto serio: Tappi Tíkarrass (mejor no digo la traducción, que esto pueden leerlo menores), after-punk bastante experimental con el que editaron dos álbumes. Luego, en 1983, formaría Kukl, una banda de estilo jazz-punk-hardcore gótico/experimental (por encuadrarlo en algo...) en la que coincidió con algún miembro de sus antiguas formaciones. La banda tuvo tres cortos años de vida que se debatieron entre giras de carácter bohemio, en las que incluso llegaban a robar para poder seguir adelante con el proyecto. En el año 1986 co-fundó Sugarcubes, con quienes se dió a conocer en la escena del momento, y en 1987 y 1988 tuvo varios escarceos con el cine y la televisión. El éxito musical de Sugarcubes se vió tristemente empañado por los líos de faldas entre los miembros de la banda, y en parte, fue ésto lo que llevó a su disolución en 1992.

Fue entonces, en 1993 cuando comenzó su carrera en solitario con el álbum Debut, que fue rapidamente aceptado y laureado por público y crítica, debido a su innovación en el terreno electrónico con la fusión de instrumentos clásicos. A partir de ahí empezó a irle como la seda en el entorno musical (que no en el personal, ya que su problema con los "stalkers" y la prensa le trajo de cabeza en contra del mundo) y recaudó bastantes premios y royalties debido a sus elevadas ventas con discos posteriores como Post (1995), Telegram y Homogenic (1997). En 1999/2000 volvió al cine con un papel protagonista de la mano de Lars Von Trier, en Dancer in the dark, de la que asimismo tuvo la responsabilidad de encargase de la BSO, que tituló Selmasongs. Como dato curioso, decir que fue nominada a los Oscars aquel año, como "Mejor BSO", y aunque no ganó, se dejó ver con su traje de cisne y fue catalogada como la mujer peor vestida del mundo. En 2001 publicó el que la crítica y los fans consideran su mejor trabajo hasta la fecha, Vespertine, un álbum diametralmente opuesto a la corriente que venía desarrollando, más intimista y crudo. Coincidiendo con los JJOO de Athenas, salió a la venta el Médulla, su disco menos electrónico y más complicado de escuchar, ya que unicamente consta de voces. Actualmente está a la venta su tercera incursión en la gran pantalla, titulada Drawing Restraint 9 (tanto la película como la banda sonora, que también corre de su cuenta).

Diferente a todas las corrientes de la moda y ajena a lo que pasa fuera de su campo, derrocha excentricidad en cada recital, con una puesta en escena sobria pero a la vez impecable, con una banda de una calidad sobresaliente: Mark Bell (programaciones), MatMos (programaciones y beats), Zeena Parkins (arpas, celesta, acordeon), Simon Lee (director de orquesta) y Greenland Inuit Choir (coro) entre otros muchos colaboradores, y numerosas orquestas sinfónicas, y cuartetos y octetos de cámara; han colaborado con esta ecléctica creadora, siempre ávida de nuevos sonidos, buscando nuevas texturas y combinaciones a través de las cuales, transmitir sus emociones al público que acude a verla en directo. También creo oportuno destacar sus frecuentes colaboraciones con gente de la talla de Madonna o Thom Yorke (Radiohead). Mención aparte son sus videoclips... extraños como el que más pero que transmiten algo indefinible cuando se ven.

Temas recomendados: Jóga, Hyperballad, Hunter, All is full of love, Aurora, Hidden place, I've seen it all, Army of me, Pagan poetry, Mouth's cradle, It's oh so quiet, Unison, Isobel, Venus as a boy, Undo, Anchor song, Vökuró, Bachelorette, Alarm call, Cocoon, Oceania... y tantas que acabaría nombrando la mitad de su discografía.

Por: Miguel Fernández de La Ventana Secreta

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Personajes - Loreena Mckennitt

Loreena Mckennitt nació en Manitoba, Canadá. Siendo muy joven, en 1981, se trasladó a la ciudad de Ontario, lugar en el que reside actualmente. Allí se dio cuenta de que lo suyo era la música, e influenciada y estimulada por su círculo, en 1985 realizó la grabación de su primer disco al que tituló “Elemental”.Cuenta que por entonces, ninguna compañía discográfica importante le dió la posibilidad ni siquiera de escuchar su disco, así que decidió que la mejor forma de publicitar su música era vendiéndola a través del correo, enviando su disco a aquellos que lo solicitaran previamente a través del mismo medio.

En poco tiempo, se convirtió en una artista solicitada por su público y comenzó una gira, empezando por su pueblo natal y terminó viajando por casi toda la extensión de Canadá. Lo que vino a partir de allí sirvió para que Mackennit se convirtiera en la virtuosísima artista que es hoy. Desde 1985 a la fecha ha viajado por casi todo el mundo buscando rastros de la cultura celta, nutriéndose de las más variadas culturas. A la fecha ha editado siete álbumes, más un disco doble con grabaciones en vivo realizadas entre Toronto y París. Ha vendido cerca de 13.000.000 de copias en todo el mundo, y el tema “The Mummer´s dance” que forma parte del disco “The book of secrets” fue elegido por la Revista Bilboard como una de los 20 mejores canciones de la historia.

Por: Nicolás Pasiecznik de Bitácora de Viajes

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Personajes - Jean Michel Jarre

Nace el 28 de agosto de 1948 en Lyon, Francia. Hijo de Frances Pejot y el destacado compositor de bandas sonoras Maurice Jarre (Doctor Zhivago, Lawrence de Arabia y Ghost, por mencionar algunos). Sin embargo, debido al trabajo y a la posterior separación de sus padres, Jean Michel no fue muy influenciado por las ideas de Maurice. A la edad de cinco años comenzó sus primeras clases de piano, y junto a su madre frecuentaba el club de jazz más popular de París, Le Chat qui Pêche donde conoció al destacado trompetista Chet Baker.

Más adelante se integró al Grupo de buscadores musicales, liderado por el maestro Pierre Schaeffer, quien cultivaba en sus alumnos la idea de que se podía componer música con cualquier objeto o instrumento. Así experimentó en diversos frentes: su primera banda de rock, The Dustbins, donde era vocalista y primera guitarra; sus primeros singles, La Cage, Erosmachine, Hypnose, Happiness is a Sad Song; colaborando con otros artistas, componiendo música para anuncios de TV, películas e incluso para la Ópera de París, con su trabajo AOR. En fin, su camino lo llevaba para muchos lados en pos de descubrir su orientación definitiva.

Así llegó 1976, cuando este joven de 27 años compuso y grabó, en su pequeño comedor convertido en estudio, mediante una grabadora de 8 pistas y arcaicos instrumentos esa obra maestra de 6 piezas llamada Oxygène (considerado el album más importante de Música Electrónica). Este disco es la obra con la cual se indentifica a Jarre, en especial el tema Oxygène 4. Fue todo un suceso, éxito de ventas en todo el mundo, y comenzaba a escribirse una nueva época de la música mundial, aquella donde se rompían los mitos de que la electrónica no era aceptada, y en la cual se consideraba a los sintetizadores no como instrumentos musicales, sino como elementos de experimentación.

Por supuesto, Jarre no imaginó nunca el tremendo éxito que obtendría con Oxygène, así como tampoco con Equinoxe, el cual lo consolidó como el más destacado de la escena mundial. Y dio inicio a otra era, la de los megaconciertos, con su show en la Plaza de la Concordia en París en 1979, reuniendo a un millón de personas y rompiendo por primera vez en su vida un Récord de Guiness. Tras esto prepara su tercer disco oficial, Chants magnétiques (cantos magnéticos juego de palabra con campos magnéticos, ambos se pronuncian igual en francés), que incluso en Estados Unidos (bajo el nombre Magnetic Fields) lideró las ventas en las categorías de Jazz y Clásica. Debido a este tremendo éxito, e invitado por el gobierno chino, Jean Michel se transforma en el primer músico en brindar una serie de conciertos en el país oriental, con una audiencia estimada de ochocientos millones de auditores sólo en ese país. Ese histórico momento está registrado en el disco The Concerts in China.

En 1983 graba Musique pour supermarchés (música para supermercados), disco de una sola copia, cuyos masters fueron destruídos y que fue subastado para incrementar la partida presupuestaria para los artistas franceses. Tras ese notable experimento (Récord Guiness de nuevo) llega Zoolook, uno de los trabajos preferidos de los fanáticos, en el que Jarre crea bases y sonidos musicales con palabras y frases tomados de más 30 lenguas y dialectos diferentes.

Ya convertido en una personalidad internacional, es invitado por la NASA para celebrar su 25 aniversario con un espectacular concierto en Houston, Texas, reuniendo a más de un millón de personas (récord otra vez). El astronauta Ronald McNair era el elegido para interpretar la parte de saxofón de Rendez-Vous VI de Jarre, en órbita desde el Transbordador Espacial Challenger. Iba a ser la primera pieza de música grabada en el espacio. Tras el desastre del Challenger el 28 de enero de 1986, la pieza fue grabada con otro saxofonista, retitulada Ron's Piece, y el concierto y su trabajo Rendez-Vous fue dedicado a la tripulación del Challenger y en especial a su amigo Ron McNair.

Llega 1988 y con su disco Revolutions hace un repaso de los cambios y la evolución de la humanidad. Prepara y cancela varias veces un concierto en Londres, el que finalmente se lleva a cabo en 1989 y que cuenta con la participación especial del ex-guitarrista de The Shadows, Hank Marvin, con quien Jarre hace dupla en London Kid, uno de los temas más destacados del álbum.

Al comenzar los 90 Jean Michel dedica su trabajo En attendant Cousteau (esperando a Cousteau) al biólogo francés Jacques-Yves Cousteau, en el cual mezcla el sonido caribeño de las marimbas en los temas Calypso 1, 2 y 3 con un enigmático corte de 47 minutos. Este tema tiene una particularidad: Al escucharlo al revés y a doble velocidad escucharás un mensaje secreto...

Paris - La Défense fue uno de los shows más espectaculares, reuniendo a casi dos millones de personas (Otra vez a los Guiness), y donde hace una revisión de todos sus discos, como manera de presentación de su disco recopilatorio Images, en donde además aparecen tres temas inéditos: Eldorado, Globetrotter y Moon Machine. Ya en 1993, e inspirado en el libro de Stephen Hawking La Historia del Tiempo lanza Chronologie, un disco que muestra la evolución en la historia del hombre. Un dato acerca de este álbum: Incluye samples de sus primeros trabajos, como Eros Machine. Inicia un especatcular tour por Europa que lo lleva además a Hong-Kong. Es nombrado Embajador Universal por la UNESCO y con este propósito realiza el megaconcierto Space pour la Tolerance.

En 1997 Jarre firma contrató con Sony Music y anuncia la continuación de su trabajo más significativo, Oxygène 7-13. Un album donde amalgama mágicamente los viejos sonidos con las nuevas tendencias de la electrónica. Brinda un concierto en Moscú donde más de tres millones de personas observaron el show, y del cual recientemente se ha publicado la edición en DVD. Además, en 1998 y con ocasión del mundial de fútbol, cierra los juegos con otro espectacular concierto bajo la Torre Eiffel y en donde se le unen diversos Dj's y músicos como Apollo 440, Tetsuya Komuro y Dj Cam, entre otros. Ellos también participan del album de remezclas Odyssey Through O2.

1999 fue el año donde planificó su más ambicioso proyecto: The 12 Dreams of the Sun, un espectacular show de 12 horas para celebrar la llegada del Séptimo milenio bajo las pirámides de Egipto. Los temas recibieron una nueva armonización y donde aprovechó de mostrar algunos cortes de su nuevo disco. El concierto fue transmitido por Internet, de hecho ganó varios premios, pero su lanzamiento en DVD ha sido cancelado por problemas técnicos.

Tras la euforia del cambio de milenio, Jean Michel volvió a sorprender con Metamorphoses. Un disco que ha dividido a los fanáticos sobre el "nuevo rumbo" de Jarre. En este disco participan destacadas figuras como Laurie Anderson, Natasha Atlas y Sharon Corr, y se acerca más a las corrientes electrónicas modernas, pero sin perder la esencia "humana" de su música. Ejemplos: Million of Stars, Hey Gagarin! y Miss Moon.

Sin embargo, durante el 2000 se cancelaron varios conciertos. ¿La razón? Jarre se encontraba preparando el show que dio la noche del uno de enero 2001 en Okinawa, Japón, junto a su nuevo proyecto, la banda denominada The Vizitors, integrada además por Tetsuya Komuro, Francis Rimbert y con la asistencia del productor Mark Fisher. En junio del 2001 Jarre brindó 2 conciertos en la Acrópolis de Atenas, Grecia, en un evento a beneficio de la UNESCO. También lanzó un disco llamado Interior Music (del cual se regalaron sólo 1000 copias) con 2 tracks música incidental especialmente preparados para las tiendas de Bang & Olufsen (una marca de equipos de audio y video) en Francia. Y preparó la banda sonora de la película Who wants to be a Star? y del canal francés Match Tv.

Durante el 2002 ha preparado un nuevo disco y realizó un magnífico concierto en la localidad de Aalborg, Dinamarca, el 7 de Septiembre. Este concierto tuvo como tema central la ecología y de hecho gran parte de la energía necesaria fue obtenida de los molinos de viento del parque en el cual se desarrolló el concierto.

El 10 de octubre de 2004 realizó un concierto en la Ciudad Prohibida de Beijing, China, para celebrar el inicio del Año de Francia en China, y presentar los remixes 5.1 de sus temas clásicos, así como algunos temas inéditos, contenidos en el album AERO.

Estuvo casado con la actriz y fotógrafa británica Charlotte Rampling, de la que se separó. En 2002, se le relacionó con la actriz francesa Isabelle Adjani, con quién rompió en 2004. En junio de 2004 contrajo matrimonio con la actríz francesa Anne Parrillaud, de fama por La Femme Nikita.

Si no lo conocéis, estais perdiendo el tiempo...

Por: Miguel Fernández de La Ventana Secreta

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Personajes - Lila Downs

La música de Lila Downs pertenece a las dos riberas del Río Grande: México y Estados Unidos. Heredera de dos culturas, la mexicana y la norteamericana, la cantante de Oaxaca recupera y reinventa la música tradicional mexicana.

¿World Music? Downs acepta esta etiqueta en la medida en que también se aplica a la música de Madredeus, Cesária Evora o Marisa Monte. En cualquier caso, el canto indio mixteca, la ranchera, el corrido o el bolero adquieren en su voz -capaz de afrontar con la misma naturalidad un aria de ópera que un blues- una nueva dimensión a través de la fusión con instrumentos y arreglos procedentes de otros estilos musicales, como el jazz, el blues o la bosa nova.

Hija de un norteamericano, de origen escocés, y de una mujer mixteca, Lila comenzó a cantar con mariachis a los ocho años. A los catorce inició sus estudios de canto en la ciudad de Los Angeles, California, y continuó estudiando en la ciudad de Oaxaca de Juárez. Volvió nuevamente a Minnesota donde estudió canto y antropología social en la Universidad de Minnesota.

Durante el ‘93, actuó en clubes de jazz de Filadelfia y Oaxaca, y en 1994 grabó sus primeros temas. Dos años después, una de las canciones ganó el premio otorgado por una emisora de radio de Filadelfia a la mejor composición de jazz latino. En el ‘96, grabó su segundo disco: “En vivo, con Lila Downs”. Paralelamente, participó en una película sobre la vida de Pancho Villa dirigida por Edward James Olmos.

“La sandunga”, editado en 1997, es su primer trabajo realizado a partir de la música tradicional de Oaxaca. “Yutu Tata” (Árbol de la vida), el siguiente, está inspirado en las imágenes de los códices mixtecos. Sus letras -cantadas en castellano y en lenguas indígenas como el mixteca, el zapoteca o el maya- constituyen un testimonio de misticismo y la filosofía del México prehispánico.

En 2001 publicó el álbum “La Línea” con un repertorio de canciones inspiradas por la vida en la frontera, la lucha de los trabajadores migrantes, y los sufrimientos y el racismo que han padecido las comunidades indigenas. Meses después colaboró en la banda original de sonido de la película Frida, la cual obtuvo un Oscar en su categoría. Precisamente, en la ceremonia de entrega de estos premios, Lila Downs cantó junto a Caetano Veloso el tema incluído en el film.

Discografía:
• Una sangre: One blood, 2004, La Línea (The Border), 2001, Yutu Tata (Árbol de la Vida), 1999, La Sandunga, 1997, Azuláo. En vivo con Lila Downs, 1996, Ofrenda, 1994

Referencias: http://www.liladowns.com
Fuente: http://www.estaciontierra.com

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Personajes - Herminia

Herminia procede de una tradición tan bella como antigua, la de las cantadeiras: mujeres que eran llamadas para cantar en todo tipo de celebraciones y para dar serenatas.

Nació en la Isla de San Vicente, en Cabo Verde, en el año 1942. Cuando todavía no había cumplido los seis años, su madre, Antonia Cruz Fortes, le enseñó los primeros acordes de la guitarra. Después de la muerte de su padre, Herminia y su familia (madre y trece hermanos) se mudaron a la Isla de Sal, también en Cabo Verde. A los doce, enamorada, compuso su primera y única morna, la que dedicó a su temprano amor.

A mediados de la década del '60, acompañada por los músicos Taninho y Luis Rendall, Herminia cantó en bares y en hoteles. A partir de entonces comenzó a ser reconocida por su particular timbre de voz.

En 1981 retornó a su isla natal, San Vicente, y comenzó a recorrer nuevamente el circuito de clubes nocturnos. Participó, además, en diferentes concursos de canto.Recién en 1998 editó su primer trabajo discográfico, "Coraçon leve" (Mélodie), fruto de la invitación de Gilbert Casto, director de la discográfica, para trabajar junto al productor Vasco Martins.

Por: Nicolás Pasiecznik / www.lacoctelera.com/turismo(Extraído del cd "Coraçon leve")/ Fuente| Mondomix

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